[::June 2007::]
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CDs

Pierrejean Gaucher / Christophe Godin
Title: 2G

Some time ago, French guitar virtuoso Christophe Godin and renowed jazz guitarist Pierrejean Gaucher decided to gather their forces in a project devoted to guitar. So devoted in fact, that it would be constituted of only two guitars, and nothing else. If such concept is not exactly revolutionary (see the not-so-great albums of DeLucia/McLaughin/DiMeola, or the very good Sylvain Luc/Bireli Lagrene record). Here, what makes this project original is the reunion of the very defined musical languages of the guitarists, and their strong individualities. On a common ground, Jazz, each of them bring his own energy, his sonic experimentations, his influences.... thus, when listening to that record, one always happen to know who plays what. After many shows, the duet has indeed decided to keep a trace of these adventures.. This album is the exact reflexion of their shows (I have been lucky enough to have experienced both), musically and sound-wise (a good part of the album is constituted of live tracks, by the way), so the album tracklist follows the path of a 2G show, intro and final included. To make things simple, you have a 2G show at home. What about the tunes? The two guys have decided to play a broad selection of standards and songs that ought to be ones, from Zappa (no less than 4 songs) to personal compositions from their own albums, pop songs... Each tune is the basis to some improvisation, rythm changes... The beauty of that album is that it even manage to retranscribe the extremely good humor of the duet's gigs. To sum it up, here is a very, very good album, that will please everyone, to the instrumental guitar freak or jazz fan (i did not say much about it, but the technical side of the music is awesome), to the lovers of Chris Godin's more metal music, or Pierrejean Gaucher's jazz... Not to forgot Zappaists...

Il y a quelques temps déjà, Christophe Godin, guitar-hero hexagonal de son état et Pierrejean Gaucher, guitariste de fusion de renom, ont décidé de s'associer dans un duo tellement consacré à l'amour de la guitare qu'il ne serait composé que de deux guitares, et c'est tout. Si une telle démarche à déjà été entreprise (on se rappelle des albums du trio DeLucia/McLaughin/DiMeola, pas toujours très réussis, ou du très convainquant album de Sylvain Luc et Bireli Lagrene), ici ce qui rend ce projet singulier, c'est la rencontre des univers musicaux très affirmés des 2 musiciens. A un dénominateur commun, le jazz, ils apportent leur énergie, leur travail du son, leurs influences musicales.... tout ce qui fait que à l'écoute de ce disque, on sait toujours qui joue quoi, même si l'album est d'une grande cohérence musicale. Après de nombreux concerts, le duo a enfin décidé de garder un témoignage de ces aventures. Cet album est volontairement l'exact reflet de leur performance scénique (j'ai eu la chance de connaître les deux), aussi bien musicalement que sur l'aspect sonique; d'ailleurs, une partie des morceaux a été captée en concert, et l'enchaînement des morceaux suit cet enchaînement (intro et final compris)... pour faire simple, vous avez chez vous un concert des 2G. Qu'en est-il du choix des morceaux d'ailleurs? Les 2G ont décidé de s'affronter sur une sélection hétéroclite de standards et de morceaux qui devraient l'être: beaucoup de Zappa (4 morceaux), des compositions issus du répertoire de l'un ou de l'autre, des chansons pop... chaque morceau étant la toile de fond d'improvisation, de changements de rythme... Chose extrêmement difficile, l'album arrive même à retranscrire la bonne humeur que l'on retrouve pendant les concerts du duo... En résumé, un très très bon album, qui plaira aussi bien aux fans de guitare instrumentale et de jazz (la technique est bien sûr absolument époustouflante), aux amateurs des projets plus rock de Christophe Godin ou ceux plus jazz de Pierrejean Gaucher, à ceux de Zappa...

 

 

Wim Roelants
Title: Burn

Wim is an established session man / studio guitar player in Belgium. Apart from being a performer, endorser, guitar instructor and clinician for many years, Wim is also a composer and songwriter, and "Burn" is his first solo CD. The album is composed of 10 original tracks, the genre is instrumental guitar rock, with some blues/fusion accents and also a little bit of funkiness, which never hurts, if you ask me. The first track, with its meditative tones, is quite an unusual way to start such a record, but the phrasing is interesting, as the jazzy chord progression drives its way to the end about 6 minutes later, with the help of a tight rhythm section. I think it's a good resume of Wim's musical taste, but I found it a little unfocused, to say the least. The title track, one of the album's best moments, has a catchy melody, and is a nice showcase of Wim's guitaristic prowess. the guitar works are well executed and overall solid. Wim sure is a talented guitar player and he's capable of many different styles. His soloing is pretty conventional though, it shows good feeling but it gets somewhat repetitive after some listening. The work of the other musicians involved in this project is truly first class as Wim's work, as it sounds inspired, like if the four have been playing together for a long time. Shades, the 3rd track, with its slower pace and bluesy roots, is also quite enjoyable. I found that it benefits quite a lot by the inclusion of background acoustic guitars and the occasional funky rhythm guitar. The Quickening 2 intro brought to memory some of Steve Morse works with his band, the four musicians play tightly and there's room for some harmonic exploration as well as some true shredding moments. That said, I'm pleased to say that Wim is the kind of guitarist which is more after good melodies rather than the showcase of mad guitar skills. I personally like his kind of approach, cause the world's full of soulless notes-per-second machines and awful songs, and this is not the case with Wim. All in all, the impression I received after repeated listenings of Burn is of a quite traditional guitar record. The production is about average, the kind of stuff you would expect from other guitar "solo" albums, and I guess this doesn't help much the "novelty factor". Maybe a less conventional approach could have made this record more enjoyable. Bronze is another delicate, acoustic rock/fusion ballad, and like "in your eyes" it doesn't hurt, but it doesn't either add much to the overall character of the record. The Kickstart 2 oriental feeling is welcomed as a good change to the record's uniformity of style. The guitar's heavier sound leaves a distinct mark but I found the bass the most convincing trait of this track. The soloing is, again, good but didn't strike me as particularly original or new. Karnak Karma, on the other hand, is maybe the most original of all the included tracks, with its ethnic character and the 2/4 drumming, I would say it's refreshing and therefore, a good variation of Wim's musical tone. To resume this album in a sentence, I would say "Burn" is a solid instrumental record with the predominance of softer, more melodic tracks. Even without truly excelling at anything in particular it's surely worth listening, especially if you're into melodic guitar works. Wim cites Satriani, Steve Vai and John Petrucci as his main influences, but I found his style also very close to that of guitarist Andy Timmons.
If you like this records I suggest that you check out also:
"Tricot no pais das maravilhas" by Goncalo Pereira
Any record by Andy Timmons (Andy Timmons Band)
You can check out Wim and his works at http://www.wimroelants.com

Wim est établi comme étant un guitariste de session et de studio en Belgique. En plus d’être un artiste endorsé, un professeur de guitare et démonstrateur depuis plusieurs années, Wim est aussi un compositeur et parolier, et « Burn » est son premier album solo. L’album est composé de 10 morceaux originaux dont le genre est du rock instrumental avec quelques accents blues/fusion et aussi avec quelques touches funky qui ne jurent jamais si vous me le demandez. Le premier titre qui est un morceau méditatif est une manière assez inhabituelle pour commencer un tel type d’album mais le phrasé est intéressant, comme une progression d’accords jazz qui prends fin 6 minutes après le début du titre, tout cela avec l’aide d’une section rythmique précise. Je pense que c’est un bon moyen de résumer les goûts musicaux de Wim mais j’ai trouvé qu’ils n’étaient pas assez mis en valeur a vrai dire. Le titre éponyme est l’un des meilleurs moments de cet album, il a des mélodies accrocheuses et il est une belle prouesse guitaristique en live. Le travail guitaristique est excellent et est solide tout au long de l’album. Wim montre qu’il est un guitariste talentueux et qu’il est capable de jouer dans différents styles. Son jeu solo est assez conventionnel, et il montre un bon feeling mais semble répétitif après plusieurs écoutes. Le travail des autres musiciens qui sont intervenus dans ce projet est vraiment de première classe comme celui de Wim d'ailleur et ils semblent avoir été inspirés, comme si les 4 musiciens jouaient ensemble depuis pas mal de temps.
Shades, le 3ème titre, avec ses passages lents et ses racines bluesy et lui aussi très agréable. J’ai trouvé que cela était du à l’ajout en arrière plan de guitares acoustiques et avec d’occasionnel rythmique funky. L’intro de The Quickening 2 nous rappelle certains travaux de Steve Morse et de son groupe, les quatre musiciens jouent fermement et il y a une exploration des harmoniques aussi bien que des moments de vrai shred. Ce qui veut dire que je suis heureux de dire que Wim est le genre de guitariste qui recherche plus les bonnes mélodies que les plans démonstrations. Personnellement j’adore son approche car le monde est plein de plans abrutissants avec tout plein de notes par seconde et de titres affreux et ce n’est pas le cas de Wim. Au final l’impression que j’ai ressentie après une écoute répétée de « Burn » est qu’il s’agit d’un album de guitare assez traditionnel. La production est assez moyenne, le genre de chose que l’on pourrait attendre d’un album solo de guitare, et je pense que cela n’aide pas plus pour un éventuel « facteur nouveauté ». Peut être qu’une approche moins conventionnelle aurait rendu l’album plus attrayant. « Bronze » est encore une ballade acoustique rock/fusion délicate et tout comme « in your eyes », elle n’apporte pas grand-chose à l’album. Le style oriental de « The Kickstart 2 » est changement bienvenu pour l’uniformité du style de l’album. Le son de guitare lourd laisse une marque distincte mais je trouve le son de la basse le plus marquant et ayant le trait le plus convainquant sur ce titre. La partie solo est, encore, bonne mais ne m’a pas semblé vraiment originale ou novatrice. Karnak Karma, de l’autre coté est peut être la plus originale des compositions avec ses cotés ethniques et avec sa batterie en 2/4, je dirais que c’est rafraîchissant et surtout une bonne variation du style de Wim. Pour résumer cet album en une phrase, je dirais que « Burn » est un solide album instrumental avec une prédominance de titres calmes et assez mélodique. Même si il n’y a rien de franchement excellent dans cet album, cela vaut la peine d’y jeter une oreille, surtout si votre truc c’est la guitare mélodique. Wim cite Satrinai, Steve Vai et John Petrucci comme étant ses influences principales, mais je trouve que son style se rapproche plus d’un guitariste comme Andy Timmons. Si vous aimez cet album je vous suggère d’écouter aussi « Tricot no pais das maravilhas » par Goncalo Pereira et n’importe quel album d’Andy Timmons.
Vous pouvez consulter le travail de Wim sur son site http://www.wimroelants.com

Chronique par Simmessa.
Laissez votre appréciation, ou pour un contact visitez:
http://www.simmessa.com/blog

 

Job For A Cowboy
Title: Genesis

Job for a Cowbow is an American band from Glendale, Arizona. They play some death metal.
Genesis is their first full length album. At a first listen, I really enjoyed the music, but found the vocals a bit boring after a while. Very guttural most of the time, without too much variation in my opinion. The music was what I found the most interesting, quite technical on the guitar, and rather fast. Lots of double kick drum, and fast ones! The riffs are very heavy and well structured, sometimes reminding me of the likes of Machine Head or Chimaira, but in heavier and faster. More Death and less Thrash if you want. There are some guitar solos on some songs, but not on all.
The voice could be associated to Meshuggah (but in a lower pitch), or Hypocrisy. The album has 10 songs that are quite short, about 3 minutes each on average. JFAC keep things straight to the point. I am personally really into Opeth, and various heavy bands, maybe not as death metal as JFAC. I prefer when a bit of clear vocals bring more atmosphere / moods to the songs. I found JFAC quite good musically, with interesting songs and riffs; I really enjoyed the rhythms, the technical guitars. However, the voice was a bit of a let down for me. I got bored of it quite quickly. But if you are well into heavy and fast death metal JFAC might be well suited to your tastes. As a conclusion, this album is full of energy, heavy, with good quality music and a good overall production of the album. The amateurs of the genre should definitely check them out; go to their myspace page: www.myspace.com/jobforacowboy

Job for a Cowbow est un groupe de death metal américain, venant de Glendale, Arizona.
Genesis est leur premier album. A première écoute, j’ai vraiment aimé la musique. Mais j’ai trouvé le chant un peu ennuyeux au bout d’un moment. Chants criés gutturaux la plupart du temps, sans trop de variation dans le ton… La musique est ce que j’ai apprécié le plus, relativement technique et rapide à la guitare, avec des riffs bien structurés et solides. Plein de double grosse caisse à la batterie, et super vite en plus! Les riffs sont très lourds et solides, me rappelant un Chimaira ou Machine Head, mais en plus bourrin et rapide. Plus death que Thrash pour être plus clair. On trouve quelques solos de guitare dans l’album, mais ils restent rares. Le chant rappelle Meshuggah (mais a une tonalité plus basse) ou encore Hypocrisy. L’album compte 10 chansons, relativement courtes, environ 2:30 minutes chacune. JFAC vont droit au but, sans tourner autour du pot. Mes gouts musicaux sont variés, allant des Beatles a Opeth et autres groupes heavy, mais je ne suis pas à fond dans le death metal tel que JFAC. Je préfère en général quand les voix criées et chantées sont mélangées dans les chansons, et je pense que c’est ce qui m’a manqué chez JFAC. J’ai trouve l’album très bon musicalement, avec des riffs et rythmes intéressants. Néanmoins, la voix m’a laissé perplexe. Je m’en suis lassé assez rapidement, et seule la musique m’a fait écouter le reste du CD. Cela dit, si votre truc, c’est le death metal, je pense que JFAC est pour vous. En conclusion, Genesis est plein d’énergie, rapide, avec une musique de bonne qualité. La production de l’album est aussi de bonne qualité. Les amateurs du genre devraient s’y retrouver, et devraient jeter un œil à leur page myspace: www.myspace.com/jobforacowboy

Six Feet Under
Title: Commandement

Weighing, gore, cavernous is the three adjectives which would qualify this new album. "commandement" is mainly made up in mid-tempo with some accelerations The riffs effective, are accompanied by the voice gutturale and cavernous by Chris Barnes. As a whole, we find here the influences of "cannibal corpse" of the great time époque "Eaten back to life" & "butchered at burth" this album it want in the traditional kind "Death gore" of the Nineties greatest years of death metal. (Entombed, Bolthrower, Obituary) ; without ornaments and useless arrangements. We have here a good return to  the true & glorious Death Metal for the great pleasure of the purists fans. it is what we could await from better of the emblematic singer chris barnes. the album contains 10 titles for the 34 minutes duration it is very short but sufficient. The album is available in limited box, in traditional Cd and finally in blood red vinyl limited to 666 copies handnumbered !

Pesant, gore, caverneux sont les trois adjectifs qui qualifieraient le mieux ce nouvel album "commandement" est principalement composé en mid-tempo avec quelques accélérations marquantes. Les riffs sont efficace, accompagné par la voix gutturale et caverneuse de Chris Barnes. Dans l'ensemble, on retrouve les influences cannibal corpse de la grande époque "Eaten back to life" ou bien "butchered at burth" cet album ce veux dans la veine traditionnelle Death gore des années 90 (Entombed, Bolthrower, Obituary) sans fioritures ni arrangements inutiles. Nous avons ici Un bon retour aux sources du death métal pour le grand plaisir des puristes c'est ce que l'on pouvais attendre de mieux de la part de chris barnes personnage emblématique. l'album contient 10 titres pour une durée 34 minutes. Un peux court mais suffisant. L'album est disponible en box limité, en cd classique et une version vinyle rouge limité à 666 copies numéroté main! Avis aux amateurs et collectionneurs.

Behemoth
Title: The Apostasy

For those which hope for with an album more black, as at the beginnings of career of Polish band, the period regretted « so much …. ! by many fans, ca ne sera pas le cas dans ce nouvel album. "the apostasy" remains in the continuity of the preceding albums with voices which leave the tombs. And powerful death metal rhythmics We can note a mystical tendency and a set of themes more marked than on the preceding albums, which is very appreciable. Thus the overall performance is forcing more interesting than a simple brutal  death metal, to which the band had accustomed us these last years. There in my opinion, Behemoth proposes its best album since "satanica". the sound is excellent and very quite selected for their kind of music. too much clean, the sound would have softened the music and too dirty that would have attenuated impacts it technical subtleties. For those which are reticent with the band since their musical reorientation, I think that this album can make them change opinion. As a whole, the titles are designed for live that promises to us a slaughter for the future "Fest"!

Pour ceux  qui espèrent à un album plus black comme en débuts de carrière des polonais, période tant regrettée par de nombreux fans , ce ne sera pas le cas dans ce nouvel album. "the apostasy" reste dans la continuité des précédents albums avec des voix d'outre-tombe, et de puissantes rythmique death métal. On peux noter un coté plus mystique et une thématique plus prononcé que sur les précédents albums ce qui est bien appréciable, Donc le résultat d’ ensemble est forcement plus intéressant qu' un simple death métal brutal auquel le groupe nous avais habitué ces dernières années. Behemoth tiens là son meilleur album depuis "satanica" le son est excellent et très bien choisi pour leur style qui : trop propre aurais adouci la musique et trop crade aurais atténué l'impacte des subtilités techniques. Behemoth a su trouver le juste milieu sonore. On peux aussi distinguer une petite touche orientale dans l’ambiance et des vois féminines glaçantes. Pour ceux qui sont réticent au groupe depuis  leur réorientation musicale, je pense que cet album peut leur faire changer d’avis. Dans l'ensemble, les titres sont conçus pour le live ce qui promet une sacrée tuerie pour les « Fest » avenir!

 

The Chariot
Title: The Fiancée

As of the first minutes the attack is launched : that always howls on the same tone with saturated voices, shouts, shout and always shout. the singer can do only that. the rhythmic are completely unstitched and broken with marked agreement that goes in all the directions the rhythmic one are completely unstitched and broken with accentuated notes. that goes in all the directions it is the total Kaos. conclusion: there one have a large big band of revolted  thrash hardware core ! what could be to better divert themselves in a pogo and to crash to pieces all the people who will dare main on your passage... The public is well targeted: punk, hardware core, thrash core, néo metal... This very urban music is probably influenced by precursors of this kind "rage against the machine" express: violence, hatred and insanity here it do not have there a place for the feeling. " the chariot" they prefer to express their social dissatisfaction and to affirm their marginality with their way It is has to say in the total musical chaos. « The Chariot » is rather a group for the scene because it is not the kind of music which is listened between 4 walls. Would be necessary much more place to let vibrate the howls of the singer.

Dès les premières minutes l’assaut est lancé : ça gueule à fond et toujours sur le même ton avec des voix saturées, les rythmiques sont complètement décousues et cassées avec des accords bien prononcés ca va dans tous les sens on sait plus ou en donner de la tête ce qui donne une impression de démence… conclusion : on a là un gros groupe de thrash hard core révolté à font ! quoi de mieux pour se défouler dans un pogo et fracasser tous les individus qui oserons se maître sur votre passage... Le public est bien ciblé : punk, hard core, thrash core, néo métal... Cette musique est très urbaine et probablement influencé par les précurseurs du genre" rage against the machine" exprime : violence, haine et démence ici il n'y a pas de place pour les sentiments " the chariot" préfèrent exprimer leur mécontentement social et affirmer leur marginalité à leur manière. C’est à dire dans le chaos musical le plus total. The chariots est plus un groupe de scène car ce n’est pas le genre de musique qui s’écoute entre 4 murs il faut bien plus de place pour laisser raisonner les hurlements du chanteur « the Chariot » aura plus d’impacte en live que sur vos platines.

 

 

Nocturnal Rites
Title: The 8th sins

The Swedish band returns with their 8° album as indicates it the title "the 8th sin. For those which do not know, Nocturnal rites" is a band of heavy metal melodic traditional very pleasant with moderate keyboard thus completely bearable. On this new album all the elements are there so that this opus does not pass in the shade of the overproduction which the movement metal knows today. The vocal ones really exceptional and are varied. they make me think of Joey Tempest (Europe) especially on the title "me" which is a very pleasant ballade. whereas the title "bread & pleasure" is closer to the Malmsteen style (into eclipse album) compared to rhythmic and vocal without the with dimensions conclusive one. we enter into the music as of the first listening and that gives desire for listening to until the end the totality of the disc. one can notice that the titles make between 3 and 4 minutes what does not leave time to be bored. veiled a band which understood that the length of the titles is not forcing an advantage. I think that this album will achieve the unanimity of the fans of nocturnal rites and the fans of heavy metal. We do not have time to be bored. it is a successful album !

Les suédois reviennent avec leur 8° album comme l'indique le titre "the 8th sin". Pour ceux  qui ne connaissent pas, « Nocturnal  rites » est un groupe de heavy métal classique mélodique de très bon goût avec clavier modéré donc supportable. Sur ce nouvel album tout y est pour ne pas passer inaperçu dans la surproduction actuelle que connaissent les groupes de heavy metal: rythmiques accrocheuses solos limpide qui sonne juste, refrains percutants et imparables, les vocaux sont vraiment exceptionnel et variés ils me font penser par moment à Joey Tempest (Europe) surtout sur le titre "me" qui est une ballade très agréable, alors que le titre "pain & pleasure" sonne plus malmsteen (éclipse) niveau des rythmiques et vocal sans le coté démonstratif. Donc on accroche tout de suite dès la première écoute et on veux écouter jusqu’au bout l’ensemble de la galette a noter que les titres font entre 3 et 4 minutes ce qui ne laisse pas le temps d’être blasé. Enfin un groupe qui a compris que la longueur des titres n’est pas forcement un avantage. Je pense que cet album fera l'unanimité des fans de nocturnal rites et des fans de heavy métal. L’album est bien équilibré dans sa structure on retrouve des titres speed et épique et des plus ou moins doux et bien posé. On n’as pas le temps de s’ennuyer dans l’ensemble c’est un album réussi.

 

Despised Icon
Title: The ills of modern man

Since the foundation of the Canadian band in 2002 they passed from label in labels by testing even the self production on their ep "syndicoted murderers" left in 2004 for finally signing in 2005 with their album "the healing process" on century media records and to finally to propose us this year a new album on this label entitled "the ills of modern man". Despised icon play in a very brutal death\core stylev with blasts and of the cadaveric voices grind core mixed has yelling voices. the whole is howled by two singers, to obtain this result, only one would probably not have been sufficient. The band chose a deep & raw sound (death kind ) the rhythmic ones with tempos variable are complex, varied and very aggressive. The sound is suitable all the sounds are distinct and very clean the musicians control their instruments perfectly. It is a good album, but it should be consumed with moderation because it is litle bit repetitive. It misses the small useful personal key so that the group can dissociate other formation already existing.

Depuis la fondation du groupe en 2002 les canadiens sont passé de label en labels en essayant même l'autoproduction sur leur ep "syndicoted murderers" sorti en 2004 pour finalement signer en 2005 avec l'album leur album "the healing process" sur century media et finalement nous proposer cette année un nouvel album sur ce même label intitulé "the ills of modern man". Despised icon jouent dans un style assez brutal death\core, avec des blasts, et des voix caverneuses grind core mélangé a des chants gutuaux raleur, le tout hurlé par deux chanteurs et oui pour gueuler comme ça, un seul n'aurais probablement pas été suffisant ! Le groupe as opté pour un son grave genre death les rythmiques à tempos variable sont assez complexes , variées et forcement agressives (...ce que demande le peuple!). le son est irréprochable tout est bien distinct et très propre les musiciens maîtrisent parfaitement leur instruments. Dans l'ensemble l'album est écoutable, mais il faut le consommer avec modération car c'est assez redondant. Et s'avère lassant sur la longueur des 40 minutes de durée total du disque... il manquerais la touche personnelle utile pour que le groupe puisse se démarquer des autres formation qui existe déjà.

 

 

Symphony X
Title: Paradise Lost

After five long years of waiting, we can finally sink our teeth into Symphony X’s new masterpiece! Each album they have recorded has become a cornerstone of symphonic progressive metal and since « The Divine Wings Of Tragedy » (1997), the five Americans keep raising the standards higher and higher with each new release. After the success of “The Odyssey”, darker and heavier than the preceding albums, what could be expected from “Paradise Lost”? After a very good symphonic intro, but which doesn’t really avoid clichés, Michael Romeo aka the riff master gives assault with “Set The World On Fire (The Lie Of Lies)”, which reminds a lot of the classic “Sea Of Lies”, hence the name, but with a more aggressive edge. This energy is actually a characteristic feature of the whole album and all we can do is wait to hear them live on October 5th, when the band opens for Dream Theater (who might actually lose their crown that night…). All the ingredients of a good “Symphony X album” are here: overwhelming choirs, symphonic melodies on a double-bass background and powerful riffs. Some will probably think that Symphony X doesn’t evolve enough whereas others will be satisfied to see that the band stays true to itself throughout the years. Besides this exquisite mixture of symphonic elements and riffs ala Pantera, the band has added new ingredients to its recipe: lower and darker singing ala Evergrey on “The Serpent’s Kiss”, speed metal gimmicks ala Sonata Artica on “Eve Of Seduction”, the connecting thread still being tremendous technique and musicianship. Russel Allen’s voice is both more aggressive and expressive than ever, like on the eponymous track “Paradise Lost” or on “Sacrifice” (the only two calm tracks of the album). As for Michael Romeo’s solos, they slap the average guitar player in the face once more! This technique monster, who has recently joined the Caparison team, combines emotional playing and hyper virtuosity like no one and solos like the ones of “Eve Of Seduction” or “The Serpent’s Kiss” will certainly bring the virtuosos-to-be back to their scales. “Paradise Lost” is the album of change in continuity and might really confirm Symphony X’s hegemony in the world of symphonic progressive metal. Now is time for a live DVD…

Il aura fallu attendre cinq longues années afin de pouvoir enfin jeter une oreille sur le nouveau chef d’oeuvre de Symphony X. Chacun de leurs albums est une pierre angulaire du metal progressif symphonique et depuis « The Divine Wings Of Tragedy » (1997), les cinq américains enfoncent le clou à chaque nouvelle sortie. Après le très réussi « The Odyssey » (2002), plus heavy et plus sombre que les précédents, que pouvons nous attendre de ce « Paradise Lost » ? Après une intro symphonique très réussie mais qui n’évite pas les clichés, Michael Romeo alias le maître du riff donne l’assaut avec « Set The World On Fire (The Lie Of Lies) » qui comme son nom le laisse penser, est dans la pure lignée du titre phare « The Sea Of Lies » auquel on aurait ajouté un côté nettement plus agressif. Cette énergie est d’ailleurs un trait caractéristique de l’album et on ne peut qu’être impatient de découvrir ces titres en live le 5 octobre prochain en première partie de Dream Theater qui pourrait bien se faire voler la vedette ce soir-là… Tous les ingrédients d’un album de Symphony X sont présents : chœurs omniprésents, envolées symphoniques sur fond de double-grosse caisse et riffs tranchants. Certains trouveront peut-être que Symphony X ne se renouvelle pas assez alors que d’autres se réjouiront de voir que le groupe reste fidèle à ses choix artistiques. Outre ce mélange subtil entre passages symphoniques et riffs à la Pantera, le groupe a ajouté quelques nouveaux ingrédients à leur recette : chant plus sombre et plus grave à la Evergrey sur « The Serpent’s Kiss », speed metal à la Sonata Artica en plus musclé sur « Eve Of Seduction », le fil conducteur étant toujours la technique sans faille des quatre musiciens. Le chant de Russel Allen, lui aussi plus agressif, est plus expressif que jamais comme sur le titre éponyme « Paradise Lost » ou sur « The Sacrifice » (les deux seuls titres « calmes » de l’album). Quant aux solos de Michael Romeo, ils viennent encore une fois remettre les guitaristes en herbe à leur place. Ce monstre de technique, qui joue désormais sur Caparison, allie feeling et virtuosité comme personne et des solos comme ceux de « Eve Of Seduction » ou encore « The Serpent’s Kiss » vont renvoyer les apprentis guitar-heroes à leurs gammes. Album du renouveau dans la continuité, « Paradise Lost » risque fort de conforter l’hégémonie de Symphony X dans le monde du metal progressif symphonique. A quand un DVD ?

Julien Damotte

 

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